Révélé par les réseaux sociaux (où leurs vidéos filmées avec leurs portables cumulaient des millions de vue), le duo Golo & Ritchie, deux potes ayant grandi dans le quartier de la Grande Borne à Grigny (le second étant atteint d’un trouble du spectre de l’autisme) avait débarqué au cinéma voilà 2 ans. Tournée pour 350 000 euros, cette comédie, déjà co-réalisée par Martin Fougerol et Ahmed Hamidi et découverte au festival de l’Alpe d’Huez, avait totalisé plus de 400 000 entrées !

Hanna Bergholm est décidément inspirée par les progénitures monstrueuses. Révélée en 2022 par Ego (Grand Prix du festival de Gerardmer) dans lequel une petite fille de 12 ans cachait puis couvait jusqu’à son éclosion un mystérieux œuf, elle met ici en scène une femme qui s’installe avec son mari, au fin fond d’une forêt finlandaise dans la maison où elle a passé son enfance, pour y construire une vie de famille paisible. Un projet contrecarré par la naissance de leur premier enfant qui, très tôt, laisse apparaître un comportement et des symptômes aussi mystérieux qu’inquiétants.

Stéphane-Jacques auquel a choisi de s’intéresser Arthur Dreyfus (Noël et sa mère) a tout du personnage hors-normes et impossible à enfermer dans une quelconque case. Amateur de Proust… et de fist-fucking, il raconte face caméra une existence mouvementée entre une mère bien perchée qui adorait qu’il partage avec elle ses expériences homosexuelles de backroom, un père ayant constamment chercher à le détruire, le SIDA qu’il a contracté dans ces années 80... Des confidences recueillies depuis son appartement riche en œuvres d’art, semblable à l’antre d’un vampire.

A sa sortie de prison, Toni n’a d’autres choix que de retourner vivre chez sa mère pour tenter de se reconstruire et de se rapprocher de sa fille Anna. Mais celle qui reste encore amoureuse du père de son enfant aura bien du mal à s’extirper de ce monde criminel qu’elle cherche à fuir et se retrouvera vite forcée par la police de balancer des infos sur son oncle, propriétaire d’une brasserie qui lui a donné un travail, de balancer des infos sur lui, visé par une enquête.

Passionnée de lecture, la petite Providence, du haut de ses 11 ans, apprend de son voisin - auteur des ouvrages centrés sur des enfants protecteurs de la nature qu’elle dévore – son secret. Sa plume magique est capable de rendre réel tout ce qu’il écrit. Et Providence ne pas évidemment pas pouvoir s’empêcher de le vérifier par elle-même, embarquant bien malgré lui dans cette aventure son cochon d’Inde. Réussite d’un point de vue du rythme et de son casting vocal (Louane Emera, Jamel Debbouze), on reste un peu plus sur sa faim côté animation.

Dans le récent L’Être aimé de l’espagnol Rodrigo Sorogoyen, le tournage d’un film était l’occasion de sonder la part dévorante du créateur démiurge (campé par Javier Bardem) sur son entourage. Ce Gavagai d’Ulrich Kölher dans un registre certes plus ambigu et complexe envisage lui-aussi le cinéaste (une cinéaste en l’occurrence ici, sorte de double de la française Claire Denis) comme un être que sa position place en surplomb.

Présentateur météo narcissique et maladroit, Chris voit sa carrière s’effondrer après une séquence télévisée catastrophique. En fuyant la ville, il percute une kangourou, recueille son petit puis échoue à Silver Gum, bourgade perdue de l’outback. Il y rencontre Charlie, une adolescente aborigène marquée par la mort de son père. Ensemble, ils vont sauver l’animal et - surprise ! - apprendre à se sauver eux-mêmes.

Dès le premier plan de Sur la route d'Omaha, c’est toute la fragilité de l’Amérique des losers qui nous saute à la gueule. Un père réveille ses enfants à l'aube. Il jette les fringues nécessaires dans une valise improvisée et se précipite dans une vieille bagnole. Destination ? Inconnue. A partir de là, Cole Webley filme leur road trip comme une fuite en avant où chaque station-service, chaque motel miteux devient le théâtre d'un drame intime sur fond de crise éco. John Magaro compose un père au bord du gouffre avec une vérité bouleversante.

Elle s’appelle Evi Kalogiropoulou. Son nom ne vous dit sans doute rien, sauf à ceux qui avaient repéré son court On Xerxes’ Throne à la Semaine de la Critique cannoise 2022. Mais on doit à cette artiste complète – peintre, vidéaste et donc cinéaste – une des œuvres les plus originales de cet été en encapsulant la thématique centrale de son travail - les figures féminines de la mythologie grecque – dans un film d’exploitation à la Grindhouse. Un western queer tonitruant sur lequel planent les ombres de Mad Max comme de Beau travail de Claire Denis.

Plus que trois heures avant les trois coups. Nina, jeune pensionnaire de la Comédie Française, vient d’être propulsée metteuse en scène d’un Macbeth et déboule en vélo aux portes du Français. Ce soir c’est sa première. Et les obstacles vont s’accumuler : badge oublié, gardien zélé, actrice principale bloquée dans un TER à Brest, ministre qui s'invite, ego qui flambent… Tout part en vrille. Mais à la maison de Molière, on n'annule pas. Voilà la règle, voilà le ressort.

Il y a un moment, dans L'Odyssée, où le Nolan qu'on connaît semble disparaître totalement. Le cinéaste des équations mentales et des arabesques architecturales s'efface pour laisser place à quelqu'un d'autre : un vrai conteur, un sculpteur d'images fantasmagoriques, incarnées. Un type qui a vu Le Septième Voyage de Sinbad dans son enfance et n'en est jamais tout à fait revenu. C'est la séquence du Cyclope. Pendant quelques minutes, le cinéaste britannique se frotte au fantastique pur, hanté par les monstres qui prennent forme dans le noir de notre inconscient.

Ce documentaire explore les conséquences de la réintroduction d’ours dans la vie quotidienne d’’un petit village pyrénéen et la manière dont ils divisent la population entre ceux qui se félicitent de ce geste et les paysans qui découvrent leurs brebis tuées, les obligeant à une surveillance constante, de jour et surtout de nuit, forcément épuisante. Le Berger et les ours a pour mérite de donner le temps à chaque partie de s’exprimer plutôt que de choisir un camp ou se limiter à des punchlines réductrices de part et d’autre.

Le corps céleste du titre stagne dans le ciel de Paris laissant échapper ses traces lumineuses. Sur terre, telles des fourmis ouvrières, les hommes et les femmes se débattent comme ils/elles le peuvent. Elie Wajeman (Médecin de nuit) tente ici la dimension chorale ou plutôt retente puisque ses Anarchistes en 2015 jouait déjà sur une notion de groupe plus ou moins fragmentée. Sous la voute étoilée donc, il y a notamment deux frères qui essaient de s’accorder, une troupe théâtrale répétant du Tchekhov sur le point d’imploser.

Passé trop inaperçu l’an passé, Marco, l’énigme d’une vie racontait l’histoire vraie d’un Catalan qui fut le président très médiatisé de l’association des victimes espagnoles de l’Holocauste avant qu’on découvre qu’il n’avait jamais été déporté. Adapté d’un best-seller de Maxim Leo, Le Héros de Berlin en constitue le pendant allemand, explorant lui, les ambivalences d’une réunification longtemps mal digérée.

Alyssa et Mehdi se connaissent depuis l’enfance. Lui se laisse facilement embarquer dans les virées pas toujours des plus honnêtes de son acolyte de toujours. Surtout, à ses côtés, il se prend à rêver de vivre de ses dessins, loin de la Tunisie qui peine à leur offrir à l’un comme à l’autre un travail et une vie meilleure. Un concours semble être l'opportunité d'y parvenir. Tant pis, s'ils doivent pour cela parcourir la moitié du pays.

Dans la course à l’Oscar du meilleur film international, en 2023, le choix de l’Inde avait fait jaser : comment avaient-ils pu choisir un récit initiatique comme La Dernière séance en lieu et place de Rrr, ovni musical de S.S. Rajamouli qui a fait danser la planète entière sur « Naatu Naatu » ? Entre narration ankylosée et montage saccadé, il faut admettre que les premières minutes de La Dernière séance prêtent à confusion.

Quand il ne joue pas les seconds rôles mutiques et flippants dans les blockbusters américains, Mads Mikkelsen aime aller se ressourcer auprès de sa bande de copains des Bouchers verts et de Riders of Justice, le réalisateur Anders Thomas Jensen et l’acteur Nicolaj Lie Kaas. C’est sans doute là que palpite sa vérité d’acteur, loin des caricatures de sociopathe marmoréen dans lesquels l’industrie US aimerait bien l’enfermer.

Espèces d’espaces. Tel était le titre de l’étude poétique de Perec qui écrivait : « ce que nous appelons quotidienneté n’est pas évidence, mais opacité : une forme de cécité, une manière d’anesthésie. » Veska (Yana Radeva), l’héroïne du formidable Aventure rêvée de Valeska Grisebach avance à l’aveugle dans une ville bulgare dont on comprendra qu’elle en connaissait jadis les recoins. Svilengrad est frontalière de la Turquie, en plein cœur d’une Europe du sud-est désolée. Ici, les hommes et les marchandises transitent illégalement.

Une petite île polynésienne, Dwayne Johnson tout en cheveux, et une jeune guerrière sur l’eau... Le réalisateur Thomas Kail s’attaque au récit inspiré de la mythologie polynésienne qui avait conquis le public une dizaine d’années auparavant dans le film d’animation signé par le duo Ron Clements et John Musker.

En 2020 le producteur américain Brandt Andersen passe à la mise en scène avec le court Refugee dont le titre suffit à en dévoiler la teneur. Il se dit que l’homme est très impliqué via des assos par le sort des migrants de par le monde. Omar Sy faisait déjà partie de l’aventure. Ce Passage en reprend plus ou moins le point de départ : une médecin syrienne fuit Alep sous les bombes accompagnée de sa fille. Format long-métrage oblige, Andersen s’est autorisé à déployer une structure narrative complexe faite de sautes spatio-temporelles et de points de vue.

Ce récit dystopique qui se situe dans une Corée réunifiée mais ravagée par une catastrophe climatique obligeant le pays à vivre coupé du reste du monde vaut pour son univers visuel fascinant aux effets spéciaux minimalistes. Son travail sur les couleurs (des teintes rougeâtres dominantes à un arc en ciel noir surgissant dans le ciel), ses personnages de mutants aux corps et cordes vocales déformés racontent mieux que mille mots cette atmosphère de fin du monde.

Le moins que l’on puisse dire à propos de Dry Leaf, c’est que nous n’avions jamais vu quelque chose de semblable au cinéma. À partir d’un scénario minimal (une photographe sportive disparaît, son père et un ami partent à sa recherche), Alexandre Koberidze a choisi un drôle de dispositif : l’usage d’une caméra à très très faible résolution et le désir de faire « confiance aux vents pour nous emmener là où nous ne pouvions l’imaginer ». Il s’en dégage alors un éloge de la matière pixelisée, une sublimation de la campagne géorgienne.

Il ne faut pas croire tout ce qu’on voit sur les réseaux sociaux : la vie de Gabriel Rose ne l’est pas, rose. Squatter une chambre du Crous, se faire diagnostiquer un “pénis de taille médiane”, multiplier les partenariats médiocres en plus des déceptions amoureuses et risquer l’hypothermie pour le court-métrage d’un copain, ça ne fait rêver personne. Bienvenue dans l’envers du décor des stories Instagram, que le jeune cinéaste Léopold Kraus décortique allègrement avec une ironie dont l'âpreté est parfois déconcertante.

L’autrichien Adrian Goiginger  nous a habitués à des films très personnels, dont il signait aussi le scénario à l'image de La Meilleure des mondes sorti en 2017. Pour la première fois, il choisit de porter à l'écran l'histoire écrite par un autre, en l'occurrence Senad Halilbašić, adaptation d'un fait divers qui avait bouleversé l'Autriche. Une clown voit sa vie exploser quand meurent coup sur coup son époux puis ses deux jeunes enfants à l'issue d'un accident de voiture.

Inclassable, Alexandre Steiger l'est sans contexte. Que ce soit comme comédien optant pour des projets souvent atypiques à l'image de mini-séries telles qu'Aspergirl ou Les Espions de la terreur ou d'un film comme Le Beau rôle. Mais aussi comme cinéaste, en témoignent ses deux courts métrages, De longs discours dans vos cheveux et Pourquoi j'ai écrit la Bible, aux univers aussi détonants que leurs titres. Pour son premier long, dont il signe le scénario, il poursuit sur cette voie.

Quelques mois seulement après la sortie en fanfare de L’Inconnu de la Grande Arche, revoilà Stéphane Demoustier dans un registre plus confidentiel. Il adapte librement le roman de Victor Jestin, renouant par la même occasion, avec les fondements de La Fille au bracelet (2020), observation déconcertante du spécimen adolescent.

La petite Nana tombe malade. Sa maman n'étant plus là pour la choyer, sa grand-mère l’envoie chez une guérisseuse, au pied d’un volcan. Commence un périple hors du temps sur cette île du Cap-Vert aux allures de pays imaginaire, sans doute le plus beau décor de cinéma que vous verrez cette année. On y rencontre des enfants grimpeurs, un étrange vieil homme et un volcanologue japonais. Hanami fait le choix de la simplicité : chaque plan est une peinture pensée pour capturer la magie du lieu.

Après le succès de Vermines, Sébastien Vaniček pensait rester en France et s’éviter un passage à Hollywood, de peur d’y être dépouillé de sa singularité et de sa liberté de mouvements. Et puis Sam Raimi a décroché son téléphone… L’offre Evil Dead était bien trop alléchante mais Vaniček n’a pas venu son âme, ou alors uniquement aux deadites. Evil Dead Burn est à peu près exactement le film de la saga qu’on était en droit d’attendre du réalisateur de Vermines : violent, gore, sec comme un coup de trique et parcouru de visions horrifiques réjouissantes.

Quoi qu’on ait pu penser du Superman de James Gunn au moment de sa sortie l’été dernier, on était obligé de lui reconnaitre une vraie cohérence esthétique – le réalisateur des Gardiens de la Galaxie y réinventait la légende de l’Homme d’Acier en l’adaptant à sa vision du monde enfantine, pleine de couleurs pop et d’humeur cartoon, de méchants puérils, de gros kaiju et de gentils chienchiens.

En 2021, suite à la liquidation judiciaire d'un McDonald's des Quartiers Nord de Marseille, Kamel Guemari, le dernier employé resté sur place, après avoir envisagé un temps de s’immoler par le feu en guise de protestation, a transforme le lieu en espace de solidarité collective : l'Après M. Laissez-nous les clés raconte de l’intérieur cette expérimentation sociale d’autant plus inédite que le pot de terre a pour une fois terrassé le pot de fer. Ce documentaire a une vertu indéniable de témoignage.