Le gardien borgne d'un manoir (Raphaël Thiéry, saisissant de bout en bout) voit sa routine chamboulée par l'arrivée de l'héritière des lieux, une femme dépressive jouée par Emmanuelle Devos. Si l'on pense à Toni Erdmann dans le portrait de cet homme hors normes, rejeté e craint par les autres notamment lorsqu'il participe sans entrain aux fantasmes sexuels de sa maîtresse, il manque le grain de folie insufflé par Maren Ade pour que ce premier long un peu trop scolaire, réussisse à nous emporter.

Il y a quelque chose de chaleureux dans ce van de fortune qui sillonne les steppes et déserts de la Russie profonde, pourtant si froids. À bord, un père et sa fille (Maria Lukyanova, magnétique), projectionnistes itinérants des provinces reculées, qui n’ont trouvé que le silence pour transporter avec eux le poids de leurs solitudes endeuillées, ponctuées par des rencontres fortuites.

En 1967, quatre femmes irlandaises aux vies privées cabossées partent en voyage à Lourdes, espérant qu’un miracle résoudra leurs problèmes (et, accessoirement, que leurs maris restés à la maison parviendront à se faire à manger tous seuls). Avec son pitch fleurant bon l’ode à la solidarité et ses visages d’actrices aimées sur l’affiche (Kathy Bates, Maggie Smith…), Le Club des Miracles a des airs de feel-good movie à l’anglaise (ou l’irlandaise, en l’occurrence).

Captives est le troisième film français sorti au cours des dix dernières années à s’intéresser aux « hystériques » de l’hôpital de la Salpêtrière, après Augustine, d’Alice Winocour, et Le Bal des Folles, de Mélanie Laurent. Arnaud des Pallières imagine le destin d’une femme nommée Fanni, une patiente dont on va comprendre qu’elle a simulé la folie pour retrouver et sauver sa mère, enfermée depuis des années dans cet hôpital au fonctionnement carcéral.

C'est l'une des micro-tendances du cinéma américain des studios : le serpent qui se mord la queue. A l’image de cette Couleur pourpre, adaptation d'une comédie musicale de Broadway, elle-même adaptée du film de Steven Spielberg, qui adaptait le roman d'Alice Walker. Ou du récent Mean Girls - Lolita malgré moi (notez le génie de la VF) - … adaptation cinéma d’une comédie musicale de Broadway, qui adaptait le film de 2004 avec Lindsay Lohan. Bref, mutatis mutandis, rien ne se perd, tout se transforme.

Décalant quelque peu le titre du roman d’André Schwarz-Bart, Le Dernier des justes, tout en reprenant littéralement celui de l’essai de Jacques Derrida, la comédie de Noé Debré (scénariste prolifique et auteur de la série Parlement), s’articule autour d’une même intuition : l’idée fixe et cruciale d’une disparition annoncée. Si la saga de Schwarz-Bart s’achevait aux portes d’un camp de concentration, le présent film, chronique contemporaine, navigue dans des eaux plus calmes.

Todd Haynes aime les actrices… qui le lui rendent bien. Aux côtés de la fidèle Julianne Moore, Natalie Portman rejoint la liste impressionnante de celles que le cinéaste a dirigées.

« Venons-en aux faits dans toute leur laideur ! », éructe le catcheur Ric Flair dans un spot télé à l’adresse des frères Von Erich. L’homme, cheveux blonds peroxydés, sapé comme un arbre de Noël exhibe fièrement ses pompes en croco turquoise symboles de sa gloire. Tout est spectacle. Tout est vrai. Tout est faux. Tout est permis. Nous sommes au mitan des eighties et au mitan du film de Sean Durkin (Martha Marcy, May Marlene). On en sait alors un peu plus sur la fratrie Von Erich, dont le cinéaste dresse la dramatique et véridique trajectoire.

Réalisateur depuis cinquante ans de films- culte comme Pleure pas la bouche pleine ou Les Zozos, Pascal Thomas imagine justement son nouvel opus comme un tour de piste où un prof de lettres en vacances revisite les lieux de son passé et fait l’inventaire de ses relations. Quadragénaire déjà blasé par son mariage, Victor se retrouve sans clés et en pyjama après avoir accompagné son épouse à l’aéroport.

Stéphane Marchetti a directement puisé dans les rencontres faites pour son documentaire Calais, les enfants de la jungle (2017) - consacré aux migrants mineurs tentant de passer en Angleterre - pour sa première fiction, dont il a situé l’intrigue au seuil d'une autre frontière, entre l'Italie et la France. Florence Loiret- Caille y frappe par sa justesse.

En interprétant Stella Goldschlag, Paula Beer essaie de s’inscrire dans la lignée des héroïnes complexes de Fassbinder. Mais ici, la subversion est comme engloutie par une reconstitution lisse et sans accrocs de l’Allemagne nazie. Si l’on ne ressent jamais l’horreur et les remords qu’éprouve cette chanteuse de jazz juive lorsqu’elle décida de collaborer pour sa propre survie, son rire lors du verdict à son procès fait office de sursaut, de ceux qui glacent le sang.

Nicolas Moreno

Il y a bien sûr du Rocky dans cette « dramédie » sur la transmission. Il y a aussi une « vibe » british, cette pointe d'humour qui parcourt le cinéma anglais, même dans ses drames sociaux les plus poignants mais accompagné par un mélange d'humours à la française. Au pluriel, car c'est bien là qu'Ali Marhyar marque des points sur ce premier long : en mixant avec fluidité les styles particuliers de Jonathan Cohen ou de Jonathan Lambert à celui d'Ahmed Sylla, il parvient toujours à viser juste.

Tiens, de la stop-motion coréenne ! C’est l’histoire d’une jeune fille qui doit retrouver un esprit-ours pour sauver sa maman, tandis qu’un horrible industriel veut les chasser de leurs terres ancestrales… Une micro aventure dépouillée, un brin statique, qui traite assez frontalement de ses thèmes sombres et complexes. Ceci dit, si on a moins de dix ans et qu’on ne connaît rien au chamanisme ou à l’exploitation capitaliste, c’est une chouette intro.

Après la nageuse de l’excellent Nadia butterfly, Pascal Plante poursuit son exploration de personnages féminins complexes mais en mode thriller. Puisque ses deux héroïnes, obsédées par un tueur en série, cherchent, pendant son procès ultra- médiatisé, dans les tréfonds du darkweb la vidéo d’une des mises à mort de ses victimes qu’il a filmé. Plante distille non sans talent une atmosphère malaisante à la limite du soutenable mais se perd dans un scénario patinant de plus en plus au fil de ses trop longues deux heures.

Alors qu’émerge le soleil d’été, des touristes avides d’évasion pullulent sur une petite île grecque. Les animateurs saisonniers d’un hôtel all-inclusive s’activent, Kalia en tête. Un hôtel devenu sa cage, et elle, un petit oiseau incapable de prendre son envol. Par habitude, elle a banalisé ce milieu frénétique qui a transformé son corps en machine de divertissement hyper-sexualisée. Une expérience mise en exergue face à celle d’Eva, nouvelle recrue encore rêveuse. L’une s’émancipera, l’autre capitulera, mais les deux finiront apathiques de ce quotidien morose.

Savant fou à la gueule cassée, le docteur Godwin Baxter (Willem Dafoe) ramène à la vie une jeune femme (Emma Stone) et lui implante le cerveau de l’enfant qu’elle portait au moment de son suicide. Ce nouvel être, rebaptisé Bella, réfléchit, s’exprime et se déplace comme un bébé de quelques mois, mais dans un corps d’adulte. Ses progrès sont d’abord surveillés par un précepteur, avant que cette créature n’aille étancher sa soif de connaissances et explorer sa sexualité en suivant un avocat charmeur (Mark Ruffalo) à travers les continents.

En 2004, Rachel Mc Adams et Lindsay Lohan se crêpaient le chignon à bases de répliques cultes qui permettaient au Lolita malgré moi de Mark Waters, écrit par Tina Fey, d’accéder à ce statut. Et voici donc que le phénomène redéboule 20 ans plus tard sur nos grands écrans. Mais pas par le prisme d’un banal et classique remake. Samantha Jayne et Arturo Perez Jr. en proposent en effet une relecture, en portant à l’écran la comédie musicale écrite par Tina Fey à partir du scénario de son film.

Centré sur le parcours d’un adolescent défavorisé qui vit en périphérie d’Oulan-Bator, capitale de la Mongolie, et ambitionne de gagner un prestigieux concours scientifique tout en luttant pour s’occuper de son frère et sa sœur délaissés par leur mère alcoolique, le premier long métrage de la cinéaste Zoljargal Purevdash dépasse de loin les attentes d’un simple film social.

Dans une Angleterre qui semble cloisonnée du reste du monde, une jeune fille de 12 ans trompe l’ennui en piquant des vélos, en se bagarrant contre les filles du quartier et en procrastinant dans un grand appartement. Un grand appartement où elle vit seule à l’insu des services sociaux depuis la mort prématurée de sa mère, seul être aimant et aimé de cette petite bourgade au faux charme bucolique où elle (sur)vit. Et quand son père aux airs d’ado débarque dans sa vie pour en reprendre le contrôle, elle se braque contre cet homme qui l’a abandonné juste après sa naissance.

Alors que les crises et catastrophes se multiplient, certains jeunes décident d’opérer un retour à l’essentiel. La Réponse des bergers raconte cette jeune génération se formant pour perpétuer la tradition pastorale en France. De l’élevage des chèvres à la fabrication du fromage, l’autonomie, le respect de l’animal et de la nature sont les piliers de leur philosophie. Suivant une communauté de bergers d’Ariège, Jean Samouillan livre un documentaire méditatif, aux plans parfois hypnotiques et profondément humaniste.

« La terre est amoureuse » : voilà les mots des agriculteurs du sud de la France pour décrire le sol lorsqu’il colle et que la terre est bien traitée. Dans son documentaire, Guy Chapouillié part à la rencontre des paysans défendant une agriculture bio, respectueuse et raisonnée. Qu’ils soient viticulteurs, éleveurs ou fermiers, ces hommes et ces femmes apprennent de la terre et réinvestissent ce savoir dans son intérêt. Malheureusement, le dispositif est assez froid, proche du reportage, et la succession d’interviews nous noie peu à peu dans un rythme répétitif.

Après Séraphine (sur la peintre Séraphine de Senlis) et Violette (sur l’écrivaine Violette Leduc), Martin Provost poursuit ses portraits d’artistes et des coulisses de la création. Et ce en s’appuyant une fois encore – après Yolande Moreau et Emmanuelle Devos – sur un casting de tout premier ordre, les épatants Vincent Macaigne et Cécile de France en tête, dans les rôles de Pierre Bonnard et de sa femme et muse Marthe.

Quelques mois seulement après Le Procès Goldman, Cédric Kahn signe un nouveau film qui confirme que le cinéaste se trouve dans une frénésie créative particulièrement inspirée. Le thème de la frénésie occupe d’ailleurs le cœur de Making Of, histoire d’un réalisateur expérimenté qui démarre le tournage d’un film retraçant le combat mené par des ouvriers pour sauver leur usine.

Le titre français est un peu trompeur, avec son côté conte de fées de proximité, type L’Incroyable destin d’Harold Crick. En version originale, c’est plus frontal : Sometimes I think about dying – parfois je pense mourir. La Fran du titre (Daisy Ridley, excellente, en pleine réinvention indé post-Star Wars) est une employée de bureau menant une vie sans éclat, dans une petite ville américaine côtière sans histoire.

Quel est le prix du silence ? Après nous avoir offert Les Intranquilles en 2021, Joachim Lafosse revient en ce début d’année pour affirmer la capacité qu’a le cinéma à se passer de mots. Cinéaste taiseux, il montre avec Un Silence la dangerosité des tabous. Au sein d’une grande maison bourgeoise dans laquelle tout le monde semble s’activer, Astrid (Emmanuelle Devos) maintient un équilibre fragile entre un fils turbulant et un mari (Daniel Auteuil) avocat au bord du gouffre.

En 2019, la dernière usine française à fabriquer du papier recyclé ferme, mettant 217 salariés au chômage. Pour lutter contre la disparition de la structure, trois hommes - deux travailleurs syndiqués et un cadre - se lancent dans un combat acharné pour sauver l’entreprise. Ce documentaire nous fait entrer dans les coulisses de la lutte sociale où des individus s’attaquent aux puissances industrielles gargantuesques.

Bienvenue dans The Bear, la nervosité et le génie en moins. Début des années 2000 à Montréal, Stéphane est un métalleux qui du haut de ses 19 ans se découvre un penchant pour les jeux d’argent. De là, il décroche de la fac, perd ses amis, son appart, s’endette à une vitesse record. Pour gagner sa croûte (et continuer à alimenter son addiction), il devient plongeur dans un restaurant italien et découvre le chaos qui règne en cuisine.

Après le solaire Antoinette dans les Cévennes (qui valut un César à Laure Calamy), le duo Caroline Vignal-Laure Calamy se reforme pour une nouvelle comédie centrée sur le désir. On y suit Iris, quadragénaire mariée et mère de deux enfants qui s’ennuie ferme dans son couple et s’inscrit sur une appli de rencontres qui va lui permettre de regonfler sa libido en multipliant les expériences avec des hommes variés. Mais le charme d’Antoinette a ici du mal à opérer. A cause d’une vision des sites manquant cruellement d’inventivité et d’un humour qui se fait poussif.

Les sujets paraissant les plus rebattus se retrouvent parfois éclairés d’une lueur nouvelle. Soit exactement ce que réussit ici la finlandaise Selma Vilhunen en traitant du polyamour de façon sensible et inédite. L’histoire d’une femme mariée qui découvre que son mari a une liaison avec une autre. Mais qui, face au puissant amour perceptible dans ce couple adultère, propose aux intéressés une configuration amoureuse libre se transformant rapidement en quatuor sentimental.

Passé maître dans l’art du documentaire au long cours, le chinois Wang Bing explore le quotidien de Zhili, cité entièrement dédiée à la confection textile, où des jeunes garçons et filles viennent travailler jour et nuit dans le but de s’acheter une maison, monter leur propre atelier ou avoir l’argent nécessaire pour fonder une famille. Le résultat se révèle impressionnant. Sans artifice (absence de voix- off…), Wang Bing décortique les mécanismes implacables de l’exploitation d’une main d’œuvre en surnombre.